Thursday, December 21, 2006

Matthew Fisher, antiguo organista de la conocida banda de rock británica Procol Harum, acaba de ganar una batalla legal sobre los derechos de autor de la famosa canción A Whiter Shade of Pale (Con su blanca palidez), el mayor éxito de ese grupo de los años sesenta. Fisher interpuso una demanda ante el Tribunal Superior de Londres en la que argumentó que compuso en su órgano la melancólica y pegadiza melodía de la canción.

Durante casi cuatro décadas, la creación de ese clásico se había atribuido a dos componentes de la banda: el cantante Gary Brooker y el letrista Keith Reid. Sin embargo, el juez instructor del caso, William Blackburne, dictaminó ayer que un 40% de los derechos de autor de A Whiter Shade of Pale corresponde a Fisher, que ahora trabaja como programador informático en Croydon (en el sur de Londres).

El organista había reclamado, empero, compartir a medias los derechos de autor con Brooker, aunque el magistrado concluyó que la contribución de Fisher al nacimiento de la canción no es tan importante como la del vocalista. El demandante también había solicitado el pago de alrededor de un millón de libras (1,5 millones de euros, casi dos millones de dólares) con efecto retroactivo por los derechos de autor, aunque el juez rechazó esa reclamación.

Brooker había defendido su condición de único compositor de la melodía, que aún genera unos jugosos ingresos, impulsados recientemente por la popularidad de la canción como tono de aviso de llamada en los teléfonos móviles. Sin embargo, el cantante tendrá que pagar gran parte de unas costas cifradas en unos 500.000 libras (750.000 euros, 985.000 dólares).

Fisher mantiene que creó la melodía de A Whiter Shade Of Pale inspirado por el compositor alemán Johann Sebastian Bach (1685-1750), si bien ya tenía sus "propias ideas" en mente. La canción arrasó en las grandes listas de éxitos de todo el mundo cuando se publicó en 1967, y desde entonces se han vendido más de 10 millones de discos con ese tema musical. "El origen de este solo [de piano] es la manzana de la discordia", había declarado Iain Purves, abogado de Fisher, en la apertura del pleito. Durante la vista oral, que se inició hace unas cinco semanas, se escuchó en la sala la canción en disputa, así como varios pasajes de Bach que ambos artistas coinciden en identificar como fuente de inspiración del tema.

Friday, December 08, 2006

La tribu seminola compra la cadena Hard Rock Cafe
REUTERS , AFP
Integrantes de la tribu seminola, junto al curanderoBobby Henry, celebran en lo alto del Hard Rock Cafe enTimes Square, de Nueva York, la compra de la cadenacomercial Foto: Ap
Nueva York, 7 de diciembre. El grupo británico Rank anunció en el mercado neoyorquino la venta de la cadena Hard Rock Cafe a la tribu seminola, que tiene presencia en Florida y Oklahoma, por un monto que ronda los mil millones de dólares. La tribu, de unos 12 mil integrantes, que hasta los años 70 se dedicaban a la cría de ganado y el cultivo de cítricos, y dependía de la ayuda económica del gobierno, ya posee hoteles, casinos y centros vacacionales en el sur de ese estado.
En Londres, se confirmó que el grupo de entretenimiento británico Rank Group acordó vender su negocio de cafés y casinos Hard Rock a la tribu seminola, por 965 millones de dólares. Rank dijo que, tras la venta de la cadena de locales temáticos de música rock, el grupo se enfocará sólo en el negocio del juego y se concentrará en el plan de Gran Bretaña de abrir su mercado de casinos a partir del año próximo. Pero los analistas indicaron que habían vendido la división demasiado barato, por lo que las acciones de Rank caían 4.6 por ciento. Los analistas tampoco se vieron sorprendidos por la intención de Rank de entregar la recaudación por la venta a los accionistas, a través de un dividendo especial de 65 peniques por papel.
''Nuestra sólida cartera de activos del negocio del juego nos permitirá aprovechar las ventajas del crecimiento a largo plazo de dicho mercado'', dijo el presidente ejecutivo de Rank, Ian Burke. Rank se ha desligado de las tradicionales firmas británicas de entretenimiento, como los campos de vacaciones Butlins, los cines Odeon y los estudios decine Pinewood, con el objetivo de borrar su imagen de conglomerado antiguo.
Seminole Gaming, la firma que ofrece mayores ingresos a la tribu seminola de Florida, planea expandir el negocio de hoteles y cafés en ciudades claves de todo el mundo, y ampliar a nivel internacional los casinos Hard Rock, aunque no en el Reino Unido. ''Nos damos cuenta del poder y la longevidad de esta marca'', comentó el presidente ejecutivo de Seminole Gaming, Jim Allen.

Wednesday, December 06, 2006

Algunas sugerencias musicales y cómo las escucho

Santa Baby
Varios
Hear Music
Nada mejor para estas fechas que escuchar clásicos navideños. Pero nada de escucharlos en versiones hechas para Luismi. No, no, no, bellas canciones merecen calidad y el sol nunca podrá aspirar a hacer un villancico como lo hiciera Bing Crosby.
Por eso, disfrutando un rico café, lo mejor es escuchar a la felina Eartha Kitt y su “Santa baby”, tema que da nombre a este disco que se vende en la cadena Starbucks y que acompaña a los clientes en su estancia. El delicioso aroma del café resulta más profundo mientras la dulce voz de Billie Holiday nos cuenta cómo “I´ve got my love to keep me warm”. Mientras el verdadero Rey, Elvis, anuncia “Here comes Santa Claus” y Ella Fitzgerald describe a “Rudolph, the red-nosed reindeer”.
Ni los más Grinch pueden resistirse a la voz de Frank Sinatra y su “Christmas song (merry Christmas to you)”, ni a la de su compadre Dean Martin y su versión a “The Christmas blues”. Nadie es menos, está Diana Krall, Tony Bennett, Sarah McLachlan, Peggy Lee y hasta Lou Rawls, entre otros. Para esta y otras épocas.

Tony Bennett Duets
Tony Bennett y acompañantes
Sony BMG
A Sinatra se le conoció como “la voz”, sin embargo Tony Bennett bien pudo haber sido merecedor de ese apelativo. Un hombre que comenzó su carrera muy joven, también con raíces italianas y con una personalidad arrolladora, logró colocarse como uno de los cantantes más importantes y de calidad desde entonces. Ahora que cumplió 80 años y con innumerables premios por su trayectoria, también nos regala un material en el que comparte con sus admiradores, ahora grandes estrellas, muchas de las canciones más bellas de la historia de Estados Unidos
En este álbum de duetos aparece Barbra Streisand, James Taylor, Paul McCartney, Elton John, Billy Joel Stevie Wonder, George Michael, el maestro Elvis Costello y la única k.d. Lang, entre otros. Pero Bennett se reserva un clásico propio para él solo, “I left my heart in San Francisco”, que sólo en su voz es una canción. Imprescindible para cualquier melómano.

La Cenicienta y sus amigos
Evangelina Elizondo
BroomKaia Producciones
Actriz de cine y televisión, Evangelina Elizondo es también pionera en el doblaje en México. Ella ha prestado su voz a muchos personajes, sin embargo es recordada como La Cenicienta, porque en la cinta de Disney es ella quien prestó su voz y quien canta. Teóloga también y destacada pintora, la señora Elizondo ha grabado algunos discos y hasta dirigió la Orquesta de Pérez Prado. Ahora se permite cantar a los niños con la ayuda de algunos amigos. Es entonces que canciones que conocemos del grupo Qué payasos, toman un nuevo sentido en la voz de Evangelina. “Los negritos”, “El camarón”, “La iguana Juana” y “Los peces”, son algunos de los temas que interpreta y en donde Beto Batuca y Nacho Mostacho incluyen coros y payasadas. También hay canciones de Diana Couriel y cuenta con Iraida Noriega en los coros y el maestro Mario Patrón al piano. Esta sí es una buena opción si se piensa en un digno regalo para un niño.

World circuit presenta...
Varios
Discos Corason
El trabajo que desde hace años realizan Edmundo Yerenas y Mary Farquharson para Discos Corason es invaluable. Música del mundo que nadie más se ha atrevido a comercializar de una manera disgna llega hasta los reproductores de discos gracias al tesón de este par de amantes de la música.
Ahora Corason nos presenta un material de World Circuit Records, que conmemora veinte años de grabaciones con el lanzamiento de este CD doble que incluye 29 selecciones. Es una colección de temas clásicos, al igual que joyas inéditas representativas de una celebración de momentos musicales extraodinarios.
Con un cuadernillo en el que se incluyen fotografías y la explicación de cada uno de los temas y su intérprete, el álbum ofrece al escucha delicias de Ali Farka Touré, Radio Tarifa, Ñico Saquito, Guajiro Mirabal, Buena Vista Social Club, Afro Cuban All Stars, Sierra Maestra, Shirati Jazz, Los Zafiros, Rubén González y Afel Bocoum, entre muchos otros. Interesante documento musical, apto para abrir oído a diferentes propuestas culturales.

Thursday, November 16, 2006

30 años de creación musical con Sacbé

Las noches del Zinco se engalanan con una celebración muy especial. En este lugar en el que el jazz y la cultura han encontrado el espacio ideal, la fiesta tiene cabida. Este fin de semana los amantes de la música podrán deleitarse con un encuentro por demás esperado. Se trata de Sacbé, la mítica agrupación de los hermanos Toussaint que festejará sus treinta años como banda, que para muchos es un parteaguas dentro de la historia de la música en nuestro país.

Eugenio, Enrique y Fernando ofrecerán un par de conciertos en los que harán un recorrido por su carrera como grupo de jazz. Un recorrido que dará cuenta de la calidad musical de estos hermanos, así como de la sensibilidad artística de cada uno de ellos. Cada nota, cada composición, refleja su amor por la música, su pasión por la vida, así como su experiencia en cada cosa que hacen.

El trabajo de los Toussaint es bien conocido dentro del mundo del arte. Es también reconocido por sus propios colegas. Pero también es respetado porque Sacbé siempre ha sido fiel a su trabajo, a sus convicciones y no se ha dejado llevar por la hechura de lo fácil y/o comercial. Jazz que integra elementos de nuestra idiosincrasia, música que ha ido más allá de las fronteras y que goza del reconocimiento del público de diferentes países.

De nueva cuenta las notas de los instrumentos de los hermanos Toussaint sonarán en conjunto, para celebrar tres décadas de amor por la música y de un público que los sigue desde entonces.

Sacbé , 30 años

viernes 17 y sábado 18

Zinco

Motolinía 20, Centro

22:00 horas

$250


Regresa Cecilia Toussaint con canciones de Jaime López

Reina del escenario cuando canta, con una voz inconfundible y con una presencia única, Cecilia Toussaint se considera simplemente una cantante, “no estoy peleada con el término de rockera, pero no sólo canto rock”. Es por ello que sus grabaciones discográficas se han inclinado últimamente a temas románticos y ha pasado también por las canciones para niños.

Sin embargo Cecilia será identificada como rocanrolera y su paso por los lugares más emblemáticos del rock nacional, como Hip 70, Rockotitlán y el Bar 9, le dejarán huella. Así también su colaboración cercana y constante con Jaime López, el mejor compositor que hace buen uso de la palabra.

Canciones como “Tres metros bajo tierra”, “Ámame en un hotel” y “Corazón de cacto”, por mencionar sólo algunas, han encontrado en la voz de Cecilia una gran expresión, pero también en la de su autor. Es por eso que la cantante considera que ya es tiempo de rendirle un homenaje a este maestro de la lírica que no sólo ha sido su compañero de trabajo, sino que es su amigo y su cómplice de vida.

Con el espectáculo Acoso textual, Cecilia cantará temas de Jaime López, no sólo los que ella ha grabado, sino también los que se han dado a conocer en voz de otras intérpretes, así como algunos muy propios de Jaime. “Siempre fui seducida por el trabajo de Jaime y por más de 20 años hemos estado juntos en esto, entonces me sentía en deuda con él”.

Para estas presentaciones que inician el lunes, Cecilia dice que es probable que uno de esos lunes Jaime dé la sorpresa y la acompañe en el escenario. El concierto tendrá su parte acústica, pero también estará acompañada por su grupo. Acoso textual es también el nombre del disco que recientemente grabó Cecilia, por supuesto, con temas de Jaime López, y que en pocos días saldrá a la venta. Claro, una producción independiente.

Cecilia Toussaint

Lunes de noviembre y diciembre

Centro Cultural Helénico

Avenida Revolución 1500, San Angel

20:00 horas

$200

Thursday, October 26, 2006

Noche de ánimas con Jorge Reyes
La noche de muertos no sería la misma si no existiera el tradicional concierto que ofrece Jorge Reyes cada año, desde hace 20, en el Espacio Escultórico de Ciudad Universitaria. Esa noche familias enteras se desplazan hasta el sur de la ciudad para disfrutar de la magia de la música, de nuestras raíces musicales y de una creatividad única que le ha valido a Reyes el reconocimiento en el mundo entero.
Mucho antes de que la globalización nos comiera, antes de que la música electrónica se volviera una moda y se incluyera en todos los géneros musicales y mucho, mucho antes de que se reconociera a nuestra sangre indígena como un elemento cultural popular, Jorge Reyes ya se presentaba en los principales foros europeos con su música prehispánica fusionada con los sonidos electrónicos y las raíces del rock.
Con más de treinta años de compositor, Jorge es uno de los pioneros del rock en México y reconocido por su trabajo de investigación en cuanto a la música indígena. Ha recorrido todas las regiones de nuestro país para estudiar el proceso creativo de las diferentes culturas.
Todo ello ha quedado plasmado en sus trabajos, desde sus inicios en el rock progresivo con Nuevo México, hasta el grupo Chac Mool y sus trabajos como solista, en los cuales se ha hecho acompañar de experimentados músicos de diferentes países.
El cine y el teatro han formado parte de sus pasiones artísticas. Ha realizado bandas sonoras para 12 películas y se ha involucrado en la producción de distintas puestas en escena.
Pero la que más tiempo le ha llevado y a la que le dedica prácticamente la mitad de su vida, es a la puesta de Día de Muertos. En un espacio mágico, formado por lava volcánica y en medio de las penumbras, Jorge Reyes recrea las tradiciones, las costumbres de los mexicanos para honrar a los muertos. Cientos de velas iluminan el camino de las ánimas rumbo a la circunferencia que alberga a Reyes, que como gran chamán nos lleva por todo un ritual hipnotizante, lleno de sonidos y luces.
Experiencias profundas a las que se llega a través de la música, la cual emana de un arsenal de instrumentos de origen prehispánico como tabores, piedras, sonajas, vasijas, flautas, ocarinas, tunkules y caparazón de tortuga. A ello se le suma la música electrónica y los danzantes. La voz de Jorge se convierte en el transporte de la oración que cada vez se hace más hipnótica, mientras el música utiliza su cuerpo como una caja de percusiones.
Simplemente mágico, nuestro, muy propio para recibir a las ánimas la última noche de octubre, en una ceremonia sin igual.
Jorge Reyes
Con su ánima sola. Concierto de muertos
martes 31 de octubre
Espacio Escultórico
Centro Cultural Universitario
Insurgentes Sur 3000, CU
19:30 horas
$100

Tuesday, October 24, 2006

Adiós al CBGB
Hey ho, let´s go!!
Muchos ya no tuvimos oportunidad de conocerlo. Los que si pudieron ir pues manden sus comentarios. Pero la catedral del punk ha cerrado sus puertas y algunos de sus protagonistas estuvieron ahí en la noche del concierto final, como Patti Smith y Debbie Harry. El CBGB inspiró a muchos a componer canciones y hasta a formar bandas. Viva el rock, viva el punk.
El CBGB ofreció su último concierto la noche del pasado sábado 14.
Allí comenzaron a actuar grupos como The Ramones, Talking Heads y Blondie.
Su promotor podría trasladarlo a Las Vegas.
Era pequeño, un poco sucio, y la única decoración de sus paredes era los cientos de carteles de conciertos y pegatinas de grupos que fue acumulando en 33 años de historia. Sin embargo, era uno de los locales de conciertos con más solera de todo EEUU. Y el sábado dio el último.
El CBGB nació en diciembre de 1973, en plena efervescencia musical de la gran manzana. Por allí pasaron algunos de los grupos que iniciaron la nueva ola musical que en 1977 se trasladaría al otro lado del Atlántico en forma de punk.
En su escenario dieron sus primeros conciertos The Ramones, Talking Heads y Blondie, revolucionando desde finales de los 70 una ciudad que desde esa época lo convirtió en el "palacio del punk", como lo llegó a llamar Lou Reed.
El CBGB cierra porque el alquiler de su local era demasiado elevado
El CBGB se va de la gran manzana por las deudas contraídas por su promotor, Hilly Kristal, tras la finalización del contrato de arrendamiento con los dueños del local.
Estos exigieron a Kristal casi el triple de los 19.000 dólares que pagaba cada mes por el arriendo, algo que ha acabado por asfixiar económicamente al local.
Agobiado con las deudas, aconsejado por sus abogados, y a pesar de la intensa campaña popular para salvar el CBGB (incluso se llegaron a recoger firmas a través de Internet), Kristal decidió cerrar la sala de conciertos.
El centro de la movida neoyorkina
Con el Country BlueGrass Blues (lo que significan las siglas CBGB) se inició una de las épocas doradas de la música popular estadounidense, y más concretamente de Nueva York, que vivió su auténtica movida.
Por su escenario han pasado históricos de antes, como The Kinks, Television, The Police, Pink Floyd y The Clash, y más recientes, como The Strokes, Guns ´N´ Roses y Elvis Costello. La lista es larga (Wikipedia).
La última en actuar fue Deborah Harry, vocalista de Blondie, que no se quiso perder la última noche del local y el pasado sábado ofreció un emotivo concierto tras el que se dio el cierre definitivo.
Pero el CBGB no ha muerto del todo. Hilly Kristal planea abrir en breve un clon, pero en Las Vegas, la próxima primavera. Tal vez no será lo mismo, pero seguro que albergará buena música.

Tuesday, October 17, 2006

Si muero, no moriré del todo
Salvador Dalí

Días aciagos, noches de recuerdosy reflexiones. Ya pronto es la Noche de Todos los Santos y muchos pondrán sus ofrendas para recibir a sus fieles difuntos, los chicos y los grandes. Una de las tradiciones más arraigadas de nuestro país, el Día de Muertos. Aunque se ha contaminado por esa otra tradición del Halloween, no dejamos de tener lo nuestro y preservar lo que nos dejaron nuestros ancestros.
El pan de muerto, ese que se saborea chupándose los dedos que quedan llenos de azúcar y todos se pelean los huesitos. Las calaveras de azúcar, que son adornadas con glas de colores y tienen el nombre del "difunto" en la frente. También hay de chocolate y amaranto, pero las tradicionales son las blancas. Las velas y veladoras que guían el camino de los difuntos a casa. El copal, ese aroma único que se une al de la flor de cempasuchítl. El papel picado, todo un arte hecho por manos mexicanos que ya se pirateraron los chinos y ahora hasta de plástico nos quieren endilgar a las calacas cortaditas. Y claro, la Calaca Catrina, legado de don José Guadalupe Posada, que en sus grabados dio chiras pelas a los personajes de la época, como Porfirio Díaz.
A todo lo anterior se suma la comida, el mole que se pone en el altar, el aguardiente, los panes de pueblo que se visten de colores, pero lo que más me gusta es la calabaza en dulce, no la de tacha, sino la que se hace con piloncillo, cañas, tejocotes, guayabas y canela. Acompañada de leche... Todo el año es la espera por esa semana en la que sólo se come, cena y desayuna calabaza.
Pedir calaverita con una caja de zapatos a la que se le hicieron agujeritos y se le puso una vela ya no es lo común. Ahora llegan con su calabaza de plástico comprada en algún centro comercial y todos salen disfrazados cual personajes de las cintas serie B de la Universal (aunque no hay muchos hombres lobo). Esa amalgama de culturas enriquece la noche, sobre todo para los niños. Llenos de dulces recorren las calles pidiendo más, aunque antes nos daban una moneda.
Las tradiciones se parecen en diferentes países y extrañamente con Egipto tenemos más coincidencias. De todo ellos da cuenta Ray Bradbury en su maravilloso libro El árbol de las brujas, en donde por una noche un grupo de niños hacen un recorrido por la historia y además nos conmueven con su sentido de la amistad. Otro referente es el acertado capítulo de los Simpson en el que se cuenta la historia de las brujas y de la noche ídem.
Es solo el comienzo, la fiesta de las brujas y el camino al Mictlán apenas da inicio.

Monday, September 11, 2006

Homenaje musical a Freddie Mercury por su cumpleaños 60
El pasado 5 de septiembre Freddie Mercury habría cumplido 60 años y aunque no apagó las velitas del pastel, en muchos lugares del mundo sus admiradores conmemoraron la fecha y celebraron una vida llena de arte y vitalidad que lamentablemente terminó en 1991.
Conocido como el cantante de Queen, Farrokh, su verdadero nombre, fue también un excelente artista gráfico, que estudió en la Islewood Politecnic artes gráficas. Sus primeros dibujos y retratos fueron en torno a uno de los personajes que él más admiraba, Jimi Hendrix.
La música siempre fue su pasión, desde que vivía en su natal Zanzibar buscaba información sobre grupos y cantantes en las revistas que llegaban al puerto desde la lejana Inglaterra y una que otra de América. A los ocho años sus padres lo mandaron a estudiar a la India y en la escuela formó un grupo de rock, que para entonces tocaba éxito de Pat Bone y por supuesto de Elvis. Fue el comienzo de una historia de pasión, arte, música y rock.
Para recordar el legado de Freddie Mercury, pero sobre todo, las canciones que hizo aparte del grupo Queen, EMI Music sacó al mercado un álbum doble con los temas solistas del compositor. Lover of Life, Singer of Songs. The Very Best of Freddie Mercury Solo es el título de esta producción que en su primer disco contiene las canciones de Freddie tal y como fueron grabadas. El segundo compacto está integrado por varias de las mismas canciones pero en su versión remix.
Para muchos el que Mercury intentara una carrera en solitario fue algo poco fructífero, sin embargo sí han quedado en la historia de éxitos temas como “Love Kills”, la versión que hizo Freddie a “The Great Pretender”, “Barcelona”, a lado de Monsterrat Caballé y que fue tema de los Juegos Olímpicos de 1992 y la muy bailable “Living on my Own”. Para las nuevas versiones se dio libertad creativa a los DJ´s invitados, a quienes se les presentaron los tracks con todos los canales separados para que pudieran hacer su trabajo de la mejor manera.
Dentro de este reconocimiento organizado por EMI Londres, también está el material en video. Para los seguidores de Freddie Mercury, como para las nuevas generaciones, resultará un agasajo redescubrir a este artista a través de sus videos, su propia voz por medo de entrevistas y de una recreación que se realizó de su vida para el DVD Freddie Mercury, Lover of Life, Singer of Songs.
En el primero de los dos discos están las entrevistas que se realizaron a los familiares y amigos de Freddie, así como la recreación de partes de su vida. En The Untold Story (disco 1) se aprecian los bellos paisajes de Zanzibar, la casa y los lugares que frecuentaba Freddie. Su mamá cuenta cómo fueron esos momentos especiales y su hermana no deja de sonreír al recordar al muchacho que siempre a protegió y de quien ella está orgullosa, “a veces no decía que era mi hermano y me paseaba con él del brazo para que a las demás chicas les diera envidia al verme con un joven tan apuesto”, comenta.
En el material se podrá apreciar a un Freddie Mercury tal cual era cuando no estaba en el escenario. Fotografías, dibujos y trabajos en torno a la moda, son algunos de los aspectos que el material contiene, además de la importante historia con Queen y su relación con figuras como Elton John, Pete Towsent, Ron Wood y Phil Collins, entre muchos otros.
The solo videos da nombre al segundo disco, en el que se incluyen, además de los materiales visuales de canciones como “Living on my Own”, “The Great Pretender”, “Barcelona” y “I Was Born to Love You”, entre otras, también están los “cómo se hizo...” de los mismos videos, entrevistas inéditas y el comentario de los directores.
Ambos trabajos, tanto el CD como el DVD, representan magníficas oportunidades de conocer otras facetas de Freddie Mercury. Su capacidad histriónica, la facilidad que tenía para el ballet, su extraordinaria voz que si bien lo llevó a cantar rock y ópera, también lo distinguió como un excelente ejecutante de scat, así como su creatividad y desenvolvimiento escénico, son parte de la vida de un hombre que buscó la fama, el dinero y tener todo eso para hacer arte libremente.

Thursday, August 24, 2006

La herencia del jazz

Llega a nuestro país uno de los grandes representantes de la música sincopada. Heredero, literalmente, de toda una tradición en la música y alumno involuntario de uno de los mejores y más grandes jazzistas de todos los tiempos.
El saxofonista Ravi Coltrane ofrecerá un concierto en el que interpretará melodías propias, pero también se dará el especio y el gusto de rendir un merecido homenaje a su padre John Coltrane.
Aunque no tuvo la oportunidad de convivir con él, pues John murió cuando Ravi tenía dos años, el muchacho heredó el talento de su padre y el gusto por la buena música, así como el tacto para elegir lo correcto. Conforme iba creciendo su amor por el cine crecía y estaba seguro que se dedicaría a la industria cinematográfica. Cuando le comentó esto a su madre, la pianista Alice Coltrane, ella no se opuso.
Fue precisamente ese apoyo lo que llevó a Ravi a buscar más allá de la música. Tal vez si le hubieran dicho que no era lo correcto se hubiera revelado contra la música. Fue hasta los 20 años que comenzó a dedicarse a tocar y a aprender.
Los inicios de su carrera están marcados por la influencia de Steve Coleman, quien lo animó a emigrar de California a Nueva York y le produjo su primer disco Moving Pictures. Sabía que lo comparaban con su padre, la leyenda y eso lo hizo trabajar más en un estilo propio.
En su segunda grabación From the round box tuvo mejor recibimiento. Incluyó temas propios y versiones sobre temas de Thelonious Monk, Ornette Coleman y Wayne Shorter. Hay dos discos más, Mad Six e In Flux.
Actualmente está enfrascado en las giras que tiene programadas con su bandas integrada por EJ Strckland (batería), Luis Perdomo (piano) y Drew Gress (bajo), así como en cumplir las invitaciones que ha recibido de músicos como Carlos Santana, Herbie Hancock o Brandford Marsalis para que los acompañe en sus presentaciones.
Por lo pronto llega Ravi Coltrane con su sax tenor como parte del ciclo New York en México.
Ravi Coltrane
Lunario
viernes 25 y sábado 26
Lunario
Campo Marte y Reforma, Polanco
22:00 horas
$550 a $715

Wednesday, August 23, 2006

Charles Manson, ídolo y fanático

El fanatismo es un concepto que suele llevar apellido, hay fanatismo racial, religioso, político, etcétera. Normalmente se le identifica con manifestaciones de violencia, pero no siempre es así, basta ver a jovencitas gritando y llorando en presencia de sus ídolos musicales.
El caso de Charles Manson lamentablemente combina muchos de los apellidos de la palabra fanatismo y hasta la fecha, el autor intelectual de los crímenes más mediatizados, es una especie de de icono pop y tiene un amplio grupo de seguidores, a pesar de que él este en la cárcel condenado a cadena perpetua.

“Yo maté a la perra mientras me suplicaba por su vida y la de su bebé”, declaraba Susan Atkins ante la corte en 1970, y agregó, “la maté porque estaba harta de escucharla gritar”. Susan se convirtió en una famosa asesina al participar en los crímenes ocurridos en la casa de la familia Polanski en agosto de 1969. Ella junto a otros integrantes de La Familia mataron a Sharon Tate, actriz y esposa del director de cine Roman Polanski y a cuatro invitados que estaban en la residencia. Sharon estaba embarazada de ocho meses.
Podría haber sido un crimen más, pero se trataba no sólo de una celebridad, sino de un acto perpetrado por un grupo de personas que sin remordimientos declararon haberlo hecho por órdenes de un ser superior, un hombre que los salvaría cuando llegara el fin, Charles Manson.

Fanatismo puro.
El clan de jovencitos que mató a Sharon y sus amigos, (ese día tendría que haber estado Polanski y su amigo Bruce Lee, pero por cuestiones de trabajo no llegaron a la reunión), fue reclutado en una comuna hippie de San Francisco por Charles Manson, un desaliñado gurú de corta estatura y mirada maniaca y penetrante que se alimentaba de los temores ajenos, luego de una infancia sin padre y una juventud de reformatorios y prisiones.
La formación de La Familia, entre 1967 y 1969 respondió a las obsesiones de Manson, quien predicaba que la tensión racial desencadenaría un holocausto de violencia, “pero estaremos a salvo en el desierto”. Y ahí fue a donde llevó a ese grupo de hippies y jóvenes rebeldes. Los “alimentó” con LSD, anfetaminas y retorcidas peroratas sobre el bien y el mal. Los chicos estaban fascinados y convencidos de que Manson era el nuevo Mesías que venía a salvarlos. Era la época de la rebeldía y la búsqueda, pero los jóvenes llevaron esto al fanatismo y aseguraban que Manson podía revivir aves con sólo soplar en ellas, que podía dominar la mente de las personas y obligarlas a actuar, aún sin estar cerca. Ese fue su argumento ante la corte cuando se les acusó de los asesinatos en la residencia Polanski.

Manson el fanático.
Charles Manson es el asesino más famoso que no mató a nadie, el padre de la cultura del crimen, pese a que sus manos no se mancharon de sangre. Él ordenó los crímenes, no sólo de Sharon y sus amigos, sino días después del matrimonio LaBianca. Se le considera un líder nato, amante de varias jovencitas con quienes fundó la comuna en el desierto de California e interpretó a su desquiciado gusto el célebre Album Blanco de Los Beatles.
Su obsesión por este disco doble lo convenció de que se trataba de un mensaje cifrado que sólo él podía captar. De acuerdo a sus explicaciones, la canción “Piggies” es una burla a la clase dirigente, mientras que “Helter Skelter” es una profética metáfora del derrumbe de la sociedad y además hizo shock en la mente de Manson para ordenar la masacre de Cielo Drive, la dirección de los Polanski. También el tema “Sexie Sadie” es tomado como un himno a Susan Atkins y “Revolución 9” fue reinterpretada como Revelación 9 o Capítulo 9 del Apocalipsis que sustentaba sus alucines proféticos.
La penúltima vez que estuvo en prisión, donde pasó 10 años acusado de violación a dos chicas, Manson dedicó su tiempo a escuchar a Los Beatles y a tocar la guitarra. Mientras que su lectura de la Biblia terminó de “iluminarlo” y le reveló que él era el elegido para guiar a la humanidad a un nuevo comienzo.
De acuerdo a sus declaraciones, estudió la Biblia y textos budistas, además se vinculó a la Cienciología. Todo ello lo ayudó a estructurar su particular concepto del Apocalipsis. Cuando decidió fundar La Familia, lo hizo cerca de la zona en que Anton LaVey había edificado su particular Catedral Satánica, aunque nunca se ha comprobado que tuvieran relación entre ellos.
Manson se autodefinía como la encarnación de Satán, Jesús o Dios, indistintamente, y así lo creían, y hasta la fecha lo creen, algunos de sus seguidores. Muchos afirman que Manson tiene el poder de dominar la voluntad a distancia.
Cuando Manson fundó La Familia, lo hizo con el propósito de buscar a un selecto grupo de 144,000 elegidos que se salvarían del Apocalipsis, descrito como la rebelión de la raza negra contra los blancos. Era 1969 y Manson anunciaba el fin de una era, tras el Apocalipsis llegaría un nuevo Rey del Mundo, que no sería otro que el mismo Manson.
El 8 de agosto de 1969 se cometió el brutal crimen contra Sharon Tate y sus invitados. ¿Por qué Charles Manson ordenó a sus fieles seguidores que con tanta brutalidad terminaran con la vida de esas personas? ¿Por qué escribieron con la sangre de Sharon la palabra PIG en las paredes?
El fanatismo de Manson hacia ciertos temas, así como la fascinación por el caso de parte de los estudiosos, ha dado lugar a ciertas conjeturas. Algunos textos dicen que fue porque Roman Polanski, esposo de Sharon, había estrenado poco antes la cinta La semilla del diablo. El filme narra el nacimiento del Anticristo en San Francisco, utilizando por primera vez algunos elementos rituales satánicos durante el rodaje. La película se rodó en el edificio Dakota, donde había vivido Aleister Crowley y donde años después Mark Chapman asesinó a John Lennon.
Manson consideraba a Los Beatles “los Cuatro Jinetes del Apocalipsis” que le hablaban subliminalmente a través de mensajes escondidos en sus discos, para colmo el cuarteto incluyó una imagen de Crowley en la portada del Sargent Pepper.

Fanáticos en la actualidad
Charles Manson fue acusado de conspiración por los asesinatos cometidos en la residencia Polanski y contra el matrimonio LaBianca, entre otros. Fue condenado a la pena de muerte, pero al abolirse ésta en California, purga una condena de cadena perpetua. Sin embargo, eso no ha sido impedimento para que este personaje siga siendo atractivo para los jóvenes. Desde hace más de treinta años recibe miles de cartas de muchachos que quieren formar parte de La Familia. Se crearon asociaciones de fans y gracias a la tecnología cuenta con varias páginas en la red que lo adulan, tiene su propio sitio de internet y hasta un link en el que se vende mercancía, como playeras, gorras, tazas, con el rostro de Manson, así como parafernalia en torno a él y sus actos, libros, videos, cartas.
También causó polémica cuando realizó una campaña de apoyo a Sadam Hussein durante la Guerra del Golfo. Manson, medio fanático y medio iluminado para muchos, se ha convertido en el patrón de la conducta de muchos aspirantes a satanistas.
En la década de los sesenta Manson se relacionó con los Beach Boys y hasta les compuso una canción. Ahora, otros músicos han caído ante el atractivo de este hombre que forma parte de la crónica negra del siglo XX.
El conocido episodio entre Manson y Guns N´Roses es el de la canción que escribió en prisión, “Look at your game, girl” y que aparece en el álbum The Spaghetti Incident. Axl Rose, conocido como fantoche, explotó el hecho portando una camiseta con el rostro de Manson en varios conciertos de una gira. Cuando se dio a conocer que el criminal recibiría 62,000 dólares de regalías por cada millón de copias vendidas del disco, se retiraron del mercado todos los ejemplares posibles.

Algunas canciones relacionadas con Charles Manson
Además de los temas que este personaje ha escrito, incluso grabó un par de álbumes desde prisión (Lie y All the way alive), varios músicos han tomado la persona de Manson como inspiración, o los actos en los que se vio involucrado, sobre todo el asesinato de Sharon Tate en el 10050 de Cielo Drive.
La fascinación que ha despertado este hombre entre los músicos ha dado como resultado canciones como “Revolution blues” y “Mansion on the hil”, de Neil Young, quien considera a Manson un extraordinario músico y autor, “es como un poeta viviente”.
Para Nine Inch Nails, Manson ha sido recurrente fuente de inspiración. En el álbum The Downward Spiral, parcialmente grabado en el cuarto en donde asesinaron a Sharon Tate, se incluyen los temas “Piggy” y “March of the Pigs”, recordemos que la palabra pig estaba escrita con sangre en las paredes. Para su trabajo Broken, el grupo filmó un video de nuevo en la casa de Tate, con la canción “Gave Up”.
Los Lemonheads en su disco Creator hacen un cover del tema escrito por Manson “Your home is where you´re happy”, e incluyen una foto de Manson y agradecimientos a varios miembros de La Familia. En el compacto Lovey está la canción “Ballarat”, cuya autoría se atribuye a Manson.
Toxity es el disco de System of a Down en el que incluyen la canción “ATWA”, que en realidad es el sitio oficial en internet de Manson. En el booklet le agradecen, hay fotos de la banda en estudio, en las que al fondo se ve un poster de Manson.
Ozzy Osbourne en No rest for the wicked inculye la canción “Bloodbath in paradise”, que en realidad narra la historia del crimen.
Y en cuanto a Marilyn Manson, ¿qué se puede decir? ya todos saben de dónde viene su nombre (Marilyn Monroe y Charles Manson). En su disco Portrait of an American Family, se toma la libertad de robarse unas cuantas líneas de la canción escrita por Charles, “Mechanical Man”.
Por su parte, Phil Anselmo, de Pantera, usa camiseta de Manson en el escenario, así como camisas estilo preso con el nombre en la bolsa de Manson y su número de prisionero.

Thursday, August 17, 2006

La guitarra ecléctica de Marc Ribot
Músico de vanguardia que ha tocado con Tom Waits, Elvis Costello, Marianne Faithful y los jazzistas Bill Frisell, Medeski, Martin & Wood, The Jazz Passengers y John Zorn, por mencionar algunos, Marc Ribot es uno de los guitarristas más completos de la escena contemporánea.
Ribot regresa a nuestro país para ofrecer una clínica de guitarra en la Escuela DIM y ese mismo día (el viernes) dar un concierto en el centro de la ciudad de México.
Después de haber hecho una gira y grabado un disco con el mítico T Bone Burnett, Marc Ribot emprende una serie de conciertos que comienzan en Estados Unidos, pasan por México y los llevarán hasta Australia. Dueño de un estilo que ha roto todos los estándares, Ribot ha logrado hacer lo que siempre quiso, tocar la guitarra libremente y con sus maestros.
Originario de Newark, New Jersey, comenzó a tocar la guitarra a mediados de los sesenta con un grupo de jóvenes que ensayaban en la cochera de su casa, pero al mismo tiempo estudiaba guitarra con el maestro del clásico, el compositor Franz Casseus.
Fue a finales de los setenta que decidió brincar el charco y llegó a Nueva York, en donde trabajó con músicos como Jack McDuff y Wilson Pickett. También fue miembro del ensamble de jazz The Lounge Lizards.
Como solista ha grabado varios discos y se ha permitido grabar piezas para coreografías y cosas especiales para las principales compañías de danza de Nueva York. También ha hecho música para películas, como Walk the line, la biografía de Johnny Cash y cinta ganadora del Oscar y recientemente la banda sonora de Drunkboat, protagonizada por John Malcovich y John Goodman.
Músico ecléctico, adelantado a su tiempo y hombre sencillo, Marc Ribot este fin de semana en la ciudad de México, para no perdérselo.
Marc Ribot
viernes 18
Clínica de guitarra
Escuela DIM
Jardín 14, Atlántida, Coyoacán
16:00 horas
$120

Concierto
Zinco
Motolinía 20, Centro
21:00 horas
$150

Wednesday, August 16, 2006

El Rey ha muerto, viva el Rey Elvis, viva el rock

En el backstage, al final de un concierto en el Robinson Memorial Auditorium de Little Rock, Arkansas, a mediados de los años 50, un locutor de radio le hizo a Elvis Presley las preguntas que "a gente quiere oír". Le temblaba la voz. Presley fue cuestionado sobre sus actrices favoritas; mencionó a Kim Novak (quien protagonizó Vértigo de Alfred Hitchcock en 1958) y confesó haber jugado como "ala cerrada" al practicar futbol americano durante dos años.
Para responder sobre la moda del rock de esos años, Elvis expresó una duda razonable. "El rocanrol ha estado entre nosotros cinco años. No estoy seguro si va a durar. Sólo sé que es bueno, le gusta a la gente y vende. No me malinterpreten, me gusta el rocanrol, pero el foxtrot y el charleston fueron muy populares y si le hubieran dicho a los artistas que esos ritmos iban a morir, no lo hubieran creído. Quizá el rocanrol en cinco años estará muerto, pero mientras dure lo seguiré disfrutando", dijo el cantante.
La ironía es que el rocanrol no murió, ha rebasado 52 años de existencia y Elvis fue erigido su rey vitalicio e inspiración para mantener al género musical vivo.
Siempre vivo después de 29 años
Gardel canta cada día mejor y Pedro Infante vive en el corazón del pueblo, pero Elvis Presley está vivo.
Antes de ser nombrado El Rey, era llamado La piel de Memphis, donde falleció el 16 de agosto de 1977, hace 29 años.
En aquel concierto de 1956 en Arkansas, el cantante aseguraba estar "enfermo, sobrio y arrepentido" una frase que se volvería lapidaria 21 años después, al ser encontrado muerto en el baño de su casa en Graceland.
Cuando Elvis murió, tenía, casi literalmente, el corazón destrozado. El parte médico de dos hojas que dio cuenta de su deceso, registró que su muerte se debió a un paro cardiaco generado por al menos 11 tipos de medicamentos y drogas.
Una noche antes de morir, Elvis Presley jugó tenis. Se colocó al piano y cantó el blues "Eyes crying in the rain" de Willie Nelson. Su biógrafo, Ray Conolly aseguró que ingirió tres combinaciones de varias pastillas. Se fue al baño a leer y a las 2:30 de la tarde del día siguiente, uno de sus asistentes lo encontró tirado en el piso vestido con su bata de baño. Una hora más tarde se hizo el anuncio oficial de su muerte. Tenía 42 años, pesaba 130 kilos de peso y según estimaciones del médico que lo atendía desde 1967, George Nichopulus, Elvis había tomado19 mil dosis de medicamentos en una década.
Murió antes de morir
Muchos años después del encuentro en 1964 entre Los Beatles y Elvis Presley, John Lennon aseguraría de forma metafórica, que El Rey había muerto mucho tiempo antes, al iniciar su servicio militar en 1958 destacado en Alemania.
"Tocó algunas cosas buenas después de estar en el ejército, pero ya no era lo mismo. Es como si le hubiera pasado algo sicológicamente. En realidad Elvis murió cuando se alistó, fue entonces cuando lo mataron, el resto del tiempo fue un muerto viviente", declaró el ex Beatle para señalar que el cantante estadounidense había perdido toda la rebeldía que lo hizo famoso al grado de conseguir 53 millones de espectadores en la emisión del show de Ed Sullivan en 1956, a pesar de ocultar sus movimientos de cadera con encuadres de cámara arriba de su cintura.
Elvis Presley murió y renació como mito. Es el único cantante que inspiró la creación de un culto: En 1998 el sacerdote Dorian Baxter, fundó en Canadá la primera Iglesia Presleyteriana, donde sus canciones son los himnos de culto. Además fue el primer cantante en ser promovido para una clonación a través de la asociación Americans For Cloning Elvis creada en 1997 por Bob Mayer, quien dijo convocó a más de dos millones de personas para conseguir un doble de Elvis.
También posee en Holanda un busto labrado en piedra que algunos fanáticos aseguraron en 1997, haberlo visto derramar lágrimas; fue objeto de una inusual escultura de cinco metros que se inauguró en 1997 en una estación de servicio en una carretera de Jerusalén y pasó a la historia del arte en una obra que el artista plástico Andy Warhol, realizada en 1963, cuyo valor oscila entre los 10 millones de dólares. Elvis murió, pero nació para ser eterno.

Tuesday, August 15, 2006

Bela Lugosi is not dead
Hoy se cumplen cincuenta años de la muerte de Bela Lugosi, el Drácula más querido en la industria del cine y en torno a quien se han creado infinidad de leyendas, esto tratando de emparentarlo con el personaje que lo llevó a la cima.
Cincuenta años tras la muerte de Bela Lugosi, el 16 de agosto de 1956, se mantiene al popular Drácula más vivo que nunca con su voz rescatada de entre los muertos en el cortometraje español The Tell Tale Heart y su espectral imagen dando la bienvenida a sus seguidores en internet.
Ya lo dijeron Vincent Price y Peter Lorre cuando asistieron al funeral de este actor húngaro nacido en Lugos, localidad de la que Bela Blasko adoptó su nombre artístico, "Quizá deberíamos clavarle una estaca en el corazón", sugirió Lorre para asegurarse de que Lugosi estaba muerto cuando vieron su cuerpo en el féretro ataviado con la capa que hizo de él el príncipe de las tinieblas.
Es una más de las leyendas que rodean el legado de Lugosi, muchas falsas como esta misma dado que ni Price ni Lorre fueron al funeral.
Pero en el 50 aniversario de su muerte, acaecida de un infarto tras ser una de las grandes estrellas del cine de terror, es cierto que la figura de Lugosi no puede estar más viva.
"Bela Lugosi es un mito del cine y los mitos son inmortales", afirmó Raúl García, realizador madrileño y autor del cortometraje basado en un popular relato de Edgar Allan Poe.
Lugosi fue un actor que saltó a la fama gracias a su interpretación en Broadway del Drácula de Bran Stoker (1927) que cuatro años más tarde se llevaría al cine.
El atractivo de Lugosi, de mirada penetrante y boca siniestra, además de la elegancia de su porte y su casi ininteligible acento en inglés hicieron del actor el perfecto conde de Transilvania que nunca bebe vino y prefiere la sangre de sus víctimas.
Fue una carrera con grandes altibajos donde la negativa de Lugosi a interpretar el papel de Frankenstein y la aparición de Boris Karloff en Hollywood eclipsó casi por completo su carrera.
Aun así su filmografía es tan extensa como memorable ya fuera de vampiro, zombie (White Zombie), en el mundo de los licántropos o parte de las adaptaciones al cine de la obra de Poe como The Black Cat.
Esta fue la vertiente que más atrajo al director español cuando descubrió en E-Bay, la casa de subastas de internet, la grabación inédita y descatalogada, perdida a todos los efectos, de un monólogo de Lugosi recitando The Tell Tale Heart.
Más que una psicofonía, era una grabación que Lugosi realizó en 1947 cuando unos productores televisivos grabaron sus monólogos teatrales en la esperanza de poner en antena una especie de Bela Lugosi presenta al estilo del programa de Alfred Hitchcock.
El pasado lunes Timothy Lugosi, nieto del actor, le dedicó a su abuelo la página www.lugosi.com que pese a estar en construcción ya ha recibido más de 5 mil visitas en sus primeras 24 horas.
Toda una ironía si uno se cree la leyenda de que Lugosi murió tan arruinado y consumido por las drogas que Frank Sinatra acabó pagando su funeral.
Lo que es cierto es que Rosario Dawson le adora, un sello de correos lleva su rostro en Estados Unidos y Johnny Depp vive en la que fue su casa en las colinas de Hollywood cuando está en Estados Unidos.
Además Tim Burton le devolvió la vida en la pantalla, incluso después de muerto, gracias a la interpretación de Martin Landau que se ganó el Oscar haciendo de Lugosi en Ed Wood.
Según el registro civil, Lugosi falleció arruinado en el 5620 de Harold Way, en Hollywood, y su cuerpo está enterrado en el cementerio Holly Cross de Culver City en la tumba L120, 1.
Sin embargo, son muchos los seguidores que visitan esta dirección en busca de apariciones espectrales que ahora encontrarán en la nueva página de internet donde un Lugosi con capa y pelo engominado da la bienvenida al viajero electrónico.
Por eso, Bela Lugosi no morirá.

Friday, August 11, 2006